En 1995 U2 empezó las sesiones preliminares para la grabación de su álbum "Pop" de 1997. El productor y músico Brian Eno los contactó para grabar el soundtrack de la nueva película de Peter Greenaway, "The Pillow Book".
Al final este proyecto no se realizó, pero Brian Eno convenció a la banda para hacer el soundtrack de películas imaginarias. No había nada escrito, no había nada planeado, todo este disco fue generado por acreción: todas las rolas fueron compuestas por Brian Eno y los miembros de U2 (Bono, Adam Clayton, The Edge, Larry Mullen Jr.); las sesiones de grabación, más que ejecuciones fijas, fueron sesiones de "free jamming", es decir, palomazos e improvisaciones. Eno convenció al productor Howie B de editar todo el material para producir canciones en forma, aparte de contactar a l@s cantantes Holi y Luciano Pavarotti aparte de otros músicos con mucho talento pero no tanta fama. Todos juntos formaron la agrupción "Pasajeros", así que el disco, técnicamente, no es de la discografía de U2, sino de los Pasajeros.
United Colors.
Rolita para la película japonesa "Colores Unidos del Plutonio" (United Colors of Plutonium).
La película existe en ese inexplorado territorio entre el horror y la comedia. Se centra en un agotado ejecutivo de publicidad (Damo Ujiwara) quien se queda dormido en el Tren Bala. En su sueño, los espíritus de la gente a la que ha explotado a lo largo de su carrera regresan a atormentarlo; de repente despierta agradecido, pero solamente para descubrir que su 'sueño' continua en una sucesión de fantasmagorías Fellinescas. El director Kobayashi hace un grotesco uso del color aunado a una edición superrápida y ángulos de cámara extremos. Todo esto, junto a una actuación impasible de Tahiro Takemitsu como el inspector que descubre a toda una familia de fantasmas viajando sin un boleto válido hacen que la película no tenga igual.
No quiero tomar tus drogas.
No quiero ser un arrastrado.
No quiero vestirme de más.
No quiero hacer un desastre.
No quiero que confieses.
No bajo coacción.
No quiero ser falso.
Quiero estar contigo.
(Don't want to take your drugs
Don't want to be a slug
Don't want to overdress
Don't want to make a mess
Don't want you to confess
Not under duress
Don't want to be untrue
I want to be with you)
Slug.
Música sincera para la historia de un chavo que quiere ser sincero (pero no sabe cómo). Para la película alemana "Slug" (Sin traducción oficial).
La tercera película de Von Heineken "Slug" es una extensión del estilo granuloso y fotorrealista que desarrolló en "Alcatura" (1984) y "Rompiendo Vidrio" (1986). Dieter (Karl Popper), un joven mecánico automotriz, es incapaz de atraer la atención de la cajera Nela (Catarena Hofennes) por lo que elabora un complicado plan donde él va resultar un heroe derrotando a unos 'gangsters', frustrando un robo y salvando a Nela. Las cosas empiezan a salir muy mal cuando los ladrones se dan cuenta que la caja realmente está repleta de efectivo; abandonan su acuerdo con Dieter y tratan de huir con el dinero, aunque durante el escape se desarrolla un confuso tiroteo en ell cual Nela le dispara en el pie al guardia de seguridad y es arrestada por eso. Atormentado por el remordimiento de haberla implicado en el asunto, trata de que la liberen usando métodos legales y racionales, seduciendo a la directora de la cárcel de mujeres (Jutta Minnit) en el proceso.
Es tiempo de ir otra vez a tu cuarto azul.
Tengo algunas preguntas que hacerte en tu cuarto azul.
El aire está limpio, tu piel está despejada.
Nos hemos divertido bastante estando por aquí.
Es un tipo diferente de conversación en tu cuarto azul.
Me miraste calmadamente, muy profundamente.
Me miraste calmadamente, algún lugar para esconderse.
(It's time to go again to your blue room
Got some questions to ask of you in your blue room
The air is clean, your skin is clear
We've had enough fun hanging around here
It's a different kind of conversation in your blue room
Saw me calmly, deep inside
Saw me calmly, somewhere to hide)
Una canción más allá de las nubes para la película italiana "Más Allá de las Nubes" (Par-delà les Nuages).
La película "Más allá de las Nubes" (Michelangelo Antonioni/Wim Wenders) es acerca de encuentros. Encuentros sorprendentes o esperados, temidos o ansiados por cada uno de nosotros, la audiencia, en secreto. Un director con una cámara de mano recorre con su mirar diferentes pueblos de Francia e Italia. Su búsqueda interior lo inspira con cuatro hermosas historias de amor. En la primera historia, un hombre joven está tan cautivado por una jovencita que no puede sacrificar su deseo en aras del placer. La segunda explora la fascinación del director por una joven que admite "Yo maté a mi padre". La tercera se desarrolla en París donde las parejas se desmoronan y un rompimiento forma una unión entre un hombre y una mujer. La sublimación del amor es el tema de la cuarta historia. ¿Puede el mismo corazón amar a Dios y a una mujer?
Por siempre jamás.
Por siempre jamás ahora.
Por siempre jamás.
Siempre, siempre.
(Always forever
Always forever now
Always forever
Always, always)
Rolita juguetona para una película que impacta juguetonamente: "Por Siempre Jamás Ahora" (Always Forever Now) de Hong Kong.
La película ha causado un impacto sorprendente. La cuatro integrantes que quedan de una célula F, un equipo de fisicoconstructivistas femenino, están buscando venganza por el asesinato brutal de una de su grupo. El encuentro del bajo mundo de Tong en los callejones arrabaleros de Hong Kong alcanza su climax en una escena de combate deslumbrantemente coreografiada. La casi desnudez de sus protagonistas junto a un trabajo de cámara muy gráfico han hecho que muchos países la hayan prohibido o haya sido exhibida fuertemente editada. La inusual combinación de eroticismo y alegoría, el rol estelar recae en Venda Davis, cuyo racionalismo tipo Zen y musculatura pronunciada forman el eje psico-físico alrededor del cual está construida la película. El elenco incluye a cuatro de las mejores constructivistas de EUA: Davis, Tanya McLoad, Kiley Sue LaLonne y Dorothy Chang; con Pi Hoo Sun como el malvado líder Tong. Es el primer filme del director John Leng Qi, terminada justamente en su cumpleaños 22.
Con el crepúsculo irrumpiendo.
Un tipo diferente de azul.
Más luz, señales azules.
Todo dorado, todo nuevo.
Tan pequeño, tan alto.
Allá, esta noche.
(With the twilight breaking through
A different kind of blue
More lights, blue signs
All gold, all new
So small, so high
Down there tonight)
A Different Kind of Blue.
Música cienciaficcioñera (con un tipo diferente de azul, claro) para una película cienciaficcioñera: "Un Día Ordinario" (An Ordinary Day, USA).
"An Ordinary Day" de Lurlene Clewman confirma su reputación como una sutil subversiva de los estilos fílmicos. María (Petra Bliss) y Dennis (Ron Hotaas) recientemente se mudaron a un departamento en el último piso de un rascacielos en Houston. María nota que su complexión está mejorando, se siente más joven con cada día que pasa y que se está volviendo olvidadiza con las cosas simples. Olvida números telefónicos, a personas que acaban de conocer, cómo operar la cocina. Mientras tanto, Dennis se dirige al trabajo que dejó hace tres años, se sienta en su antiguo escritorio y empieza a trabajar. Y a pesar de todos estos percances, el amor entre ambos crece - hasta que se sienten como recién casados otra vez. Eventualmente todo se aclara: se han mudado a una máquina del tiempo y se están volviendo irremediablemente más jóvenes. La inteligente parodia de Clewman acerca del tema ci-fi del viaje en el tiempo genera serios cuestionamientos acerca de la relación entre la memoria y la juventud.
Tiempo.
Rodando.
(Time
Shoots on by)
Beach Sequence.
"Par-delà les Nuages" está tan condenadamente buena que le dedicaron dos canciones.
Dici che il fiume trova la via al mare
E come il fiume giungerai a me
Oltre i confini e le terre assetate
Dici che come fiume
Come fiume l'amore giungera
L'amore e non so piu pregare
E nell'amore non so piu sperare
E quell'amore non so piu aspettare
(Dices que el río encuentra su camino al mar.
Y como el río tú encontrarás tu camino de regreso a mí.
Más allá de sus confines y las tierras sedientas.
Dices que como el río...
Como el río el amor encontrará su camino.
Amor, no soy alguien de plegarias,
y en el amor ya no puedo creer,
y por el amor ya no puedo esperar.)
Miss Sarajevo.
Una canción llena de reflexiones y preguntas para el documental "Miss Sarajevo" (USA) que también nos llena de reflexiones y preguntas.
El documental premiado "Miss Sarajevo" de Bill Carter hace la crónica de uno de los eventos más extraños y grotescos de la guerra en la antigua Yugoslavia - cuando un grupo de artistas montaron un elaborado concurso de belleza bajo el fuego de morteros. La cámara sigue a los organizadores a través de los túneles y bodegas de la ciudad mostrando un punto de vista único de la vida bajo la guerra moderna, donde los civiles son el blanco. El filme captura el oscuro humor de los asediados sarajevianos, su necia negativa a desmoralizarse y sugiere que el surrealismo y el dadaismo son la respuesta apropiada al fanatismo.
Utsukushiki mononi tuite katarimasho
Chikyujono anatano sugu chikakuno
Omomukino arumononi tuite
Muneno kodoo takameru monono yoni
Kito narikaga ito okashi
(Hablemos de algo bello.
En la faz de esta Tierra, algo muy cercano a ti.
Acerca de algo que es muy sabroso.
Como algo que hace que tu corazón lata más fuerte.
Ciertamente hay algo muy interesante.)
Ito Okashi.
Rolita minimalista y abstracta para la película rara "Ito Okashi" (Japón, sin traducción oficial)
Rita Takashina es una artista japonesa americana del performance activa en Japón. Su trabajo más conocido es "Ito Okashi" basado en la "lista de cosas bellas" de Sei Shonagon en el clásico del siglo X "El Libro de la Almohada". El performance de Takashina, la cual ella describe como"meditaciones acerca de la mortalidad", involucra la construcción de una estructura usando algunas de estas cosas (
"la cara de un nińo dibujada en un melón, huevos de pato, una golondrina bebé que acude a saltitos cuando uno imita el chillido de un ratón,...") y entoces convertirlas en polvo con una herramienta para lijar madera.
Un alma solitaria.
En un bote negro y viejo.
Un fruncimiento solitario.
Vaya camino a seguir;
cadenas a las que van,
las cuerdas que sostienen.
En un abrigo negro y viejo.
One Minute Warning.
Una rola ciberpunketa para una de las películas clave del ciberpunk: "Ghost in the Shell" (Kokaku Kidotai, Japón, sin traducción porque popularmente se le conoce con su nombre en inglés).
"Ghost in the Shell" es una película japonesa de animación dirigida por Mamoru Oshii en 1995. Fue adaptada de la novela gráfica de Masamune Shirow donde un criminal de computadoras internacionalmente notorio con el nombre código "El Maestro de Marionetas" debido a su habilidad para manipular la mente de la gente. Este "super-hacker" único y misterioso, está bajo sospecha de perpetrar una multitud de delitos incluyendo manipulación del mercado de valores, recopilación ilegal de datos, maniobras políticas, actos terroristas y violaciones al código de ética cibernético. La sección 9, el servicio secreto de elite japonés es llamado para capturar a este elusivo criminal, solamente para descubrir que la elaborada telaraña de evidencias conduce de nuevo al propio ministro japonés de Asuntos Foráneos y a un virus de computadora creado secretamente por ellos como el arma última de espionaje político y comercial.
Oye, sé mi amiga.
Quédate hasta el final.
No te vayas.
Oye, oye, nena.
(Hey, be my friend
Stay till the end
Don't walk away
Hey, hey, baby)
Corpse (these chains are way too long).
Una rola llena de reflejos para la película italiana "Gibigiane" (sin traducción oficial).
El filme más reciente de Gianniccolo, "Gibigiane" es también el más tensamente discutido.Con un poco más de noventa minutos de duración, ciertamente no corresponde a los inmensos lienzos que ha usado en sus películas anteriores, la devastadora
"Mirages" (1984, 4 hrs 20 min) o "Il Vento" (1985, 5hrs 9 min), pero es satisfactoria a su relativamente modesto modo. El título es la palabra que se usa en Venecia para llamar a los quijotescos reflejos de luz de los canales sobre los muros y consiste solamente en estas imágenes en secuencias de 10 minutos que se entrelazan por medio de disolvencias suaves. La película empieza a velocidad normal, pero cada secuencia es aproximadamente 15% más lenta que la que la precede, así que la última sección de diez minutos está a aproximadamente un octavo de la velocidad normal. Aunque el filme orignal es mudo, se usó una larga sección de él con esta canción para la serie italiana de TV de detectives (
Il Pendolo) que se desarrolla en Venecia.
Elvis, el negro blanco.
Comió una burger king y seguía haciéndose grande.
Elvis cantó para ganar.
Elvis, el himno de batalla.
Elvis, la batalla por ser delgado.
Elvis se comió a América antes que América se lo comiera él.
Elvis.
(Elvis, the white nigger
Ate a king burger and just kept getting bigger
Elvis sang to win
Elvis, the battle hymn
Elvis, the battle to be slim
Elvis ate America before America ate him
Elvis).
Elvis Ate America.
Rolita para el corto estadounidense "Elvis se comió a América" (Elvis Ate America).
Después de terminar "Popcorn", su primera película, en 1978, Jeff Koons continuó su emergente exploración de la iconografía pop con la ahora legendaria "Elvis se comió a América" - una obra de cuatro minutos basada en el cinemetraje super 8 filmado por un adolescente Koons en uno de los conciertos 'Rhinestone' en las Vegas dado por Presley a principios de los setentas. La edición final de este cortometraje fue destruido en un incendio, pero Koons está considerando rehacerlo.
Plot 180.
La estresante película inglesa "Hipnotizante" (Ámame hasta el Amanecer) [Hypnotize (Love Me 'till Dawn)] merece esta rola sacada de onda.
Una influyente y vengativa jornalista de tabloide (Pila Morgan) regresa a Londres después de otra "primicia" exitosa. Evans, el chofer, es nuevo para ella y, enmedio de una tormenta de nieve, parece demasiado deseoso de que el auto quede inmovilizado en una carretera en un páramo remoto. Durante la noche que tienen que pasar juntos en el vehículo, un vórtice de aprensión, lujuria y finalmente terror conducen al film a una conclusión inexorable conforme se va revelando la verdadera identidad de Evans. Usando el austero lenguaje del cine estructuralista británico y una pantalla que se mantiene en negro durante casi toda la película, Sedgeley genera una tensión que es tanto erótica como sumamente amenazante.
Theme from The Swan.
Una canción poco convencional para la película húngara "El Cisne" (The Swan), tan poco hollywoodense como anticomercial.
"The Swan" de Mamat ganó la Corona Dorada en el Budapest film festival, pero nunca logró su exhibición completa en el mundo occidental. El ritmo lento y atormentado del film se centra alrededor del desempeño extraordinario y onírico de la debutante Anna Tokjaji. Su maduración como ser humano, su romance con el ambicioso apparatchik Oscar (Emmanuel Radenski) y el lento declinar de la relación permanecen como metáforas de la lenta metamorfosis de la sociedad rural en Hungría bajo el régimen de granjas colectivas.
Theme from Let's Go Native.
¡Chi que chi!, volviéndonos nativos con la película sudafricana "Volvámonos Nativos" (Let's Go Native).
La excursión juguetona de Vuijker, director de "Volvámonos Nativos" en el desierto del Kalahari se volvió una de las últimas películas en desafiar las leyes del apartheid en Sudáfrica. Se centra alrededor de un grupo de excursionistas blancos cuyo jeep se descompone en pleno desierto y quienes, con la sorprendente ayuda de algunos nómadas bosquimanos, gradualmente se encuentran a sí mismos "volviéndose nativos". El innovativo trabajo de cámara de Chris Maconoll revela la desnuda belleza del Kalahari, pero la conmovedora escena romántica entre el adolescente blanco (Barry Boedders) y la chica bosquimana (Clicky!Kang) -de la cual se tomó esta música- probó que estaba demasiado cerca del hueso para la oficina de la censura.
De estas 13 películas, solamente 3 son reales: "Par-delà les Nuages" (Más Allá de las Nubes), "Miss Sarajevo" y "Ghost in the Shell", las demás son fruto de la imaginación de Brian Eno y los integrantes de U2. De hecho, las letras y nombres de personajes y actrices/actores son anagramas y referencias a los nombres de los Pasajeros y su obra:
El nombre de los críticos que escribieron las reseñas de las películas son Ben O'Rian y C.S.J. Bofop. El primero es un anagrama de Brian Eno y el segundo está compuesto por las letras siguientes según el alfabeto.
La anécdota de la primera película ("United Colors"), quedarse dormido en el Tren Bala y soñar, fue algo que realmente le pasó a Bono (aunque no soñó con fantasmas, espero).
El nombre del director de la segunda película ("Slug"), Von Heineken, es un juego del apellido del manager de U2, McGuinness.
Los nombres de las actrices de "Always Forever Now" son anagramas de los integrantes de U2:
-Venda Davis es un anagrama de David Evans, nombre real de The Edge.
-Tanya McLoad es un anagrama de Adam Clayton.
-Pi Hoo Sun es el deletreo fonético de P. Hewson, referencia al nombre real de Bono: Peter Hewson.
El nombre de la directora de "An Ordinay Day", Lurlene Clewman, es un anagrama de Lawrence (Larry) Mullen.
En la crítica de "Ito Okashi", se hace referencia al "Libro de la Almohada" (The Pillow Book"), película de Greenaway que originó todo el disco.
El disco resultó un fracaso total de ventas, como no tiene en portada algún nombre famoso y/o conocido (U2 o Eno) y por su sonido experimental y altamente instrumental. Incluso muchos de los críticos (gringos, por supuesto) y fans desprecian el disco como "aburrido y poco comercial". Igual que el
"Reves" de Café Tacvba, personalmente lo considero una obra maestra del arte contemporáneo (y por los comentarios que he visto en internet, no creo ser el único musicalmente divergente).
3521.33
